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Contemporary art(EN)
Something, Nothing, Anything
Location: La 3ème Porte Bleue
Date of the exhibition : from 21 to 29 April 2010
Contact :snaexposition2009@gmail.com
Tel : (0033)6 28 27 34 48
Artists : Anne Guillaume, Bertrand Planes, Ivan Argote, Jean-Benoît Lallemant, Nikolas Fouré, Pauline Bastard, Gyu-seok Yeon, Vlad&AlinaTurco
As the aesthetic experience is ordered by mechanisms which act as art works (happenings, conceptual art, installation, performance, etc), art never stops producing mythical accounts which interrogate the limit between art and the banal. For example, Brillo box by Andy Warhol (displayed in the Stable gallery New York, 1964) demands a philosophical analysis, asking why a reproduction of an everyday product, covered in screenprinting, is a work of art? It seems that this artistic transgression, compared with the tradition of fine art pre- XIXe century and the aesthetic standard conceived after the appearance of the notion of public space in XVIIIe century comes from what is called “la fin du régime d’objet”(1) and from an institutionalized artistic environment where artworks multiply and are standardized, themselves becoming accessible for consumption in the mass media society(2).
The subversive artistic practice of the avant-garde, which on one hand gives an unlimited freedom to modern artists and on the other commercialises art and culture in postmodern society, generated a heated debate in the French visual art world. In the 80’s, Thierry de Dube noticed that there are no rules, or laws, or criteria for evaluating artistic quality in the “readymade”. In this pluralist world, art sinks in the eclecticism dominated by the art market. Artistic and democratic freedom is only illusory and relative to the doctrine of capitalist universality(3). It seems that art has become more accessible to the general public, but it has become a business - a business of merchants and artists who make us believe in the all- encompassing value of art. Since the end of 80’s, many attacks were launched against contemporary art by French intellectuals such as Jean-Philippe Domecq, Jean Claire, Marc Fumaroli, Jean Baudrillard, etc. In his work entitled “the crisis of contemporary art”, published in 1997, Yves Michaud draws up a list expressing violent rejection: “contemporary art is null, it is official, it is faked, it demonstrates its worn out history etc”(4). The same year, the sociologist Nathalie Heinich published several studies revealing the public’s reaction to contemporary artworks(5). For the general public, contemporary art disappoints, because it doesn’t serve aesthetic interests, but political and economic. All these problems have a fundamental link with French cultural policy of the time, which supported modern and contemporary art in a utopian vision of modern democracy, with the creation of the Ministry for Culture. It was believed that the universal feeling of sympathy (aesthetic standard) could be constructed, thanks to “social cement”. But this idealistic political approach collapsed after the advent of free trade and globalization.
There are very few devotees to the community of contemporary art whilst the majority of the public remain indifferent. As for art professionals, even they launch into debates, attacking each other, or defending themselves against the outside world. The universal consensus is nothing more than a myth regarding the effective “dissensus” in the world of art.
The exhibition Something, Nothing, Anything plays a role in these debates; the world of contemporary art is a world of opinions, where judgments confront and compete with one another regarding the artworks on display. As Yves Michaud stresses, “everyone can be certain of the universal nature of his experience but nobody can convince anybody when there is disagreement”(6). Either “layman”, or “expert”, any judgment can be higher compared with another. In this pluralist context, nobody has the right to impose his or her taste on others, because each person has their own aesthetic vision.
In this exhibition, we present several artworks/objects designed to be judged by the viewers. The majority of works were specifically created for this exhibition by young artists with a relevant angle on contemporary art and its reception by the public: Artist ANN Guillaume examines the limits between art and substance through objects produced accidentally whilst creating other artistic works. Bertrand Planes displays his piece of art entitled “Balai” which is composed of daily objects. Ivan Argote presents a video illustrating a comical situation in an art gallery. “Encyclopedia of Contemprary Art in the World”, produced by the artist Jean-Benoit Lallemant, offers an international vision of the concept of contemporary art. Nikolas Fouré is particularly interested in the artistic value and quality in his own work entitled “Geometric Foam”. Pauline Bastard transforms banality into art through an artistic procedure. Yeon Guy - seok displays several fragments of historic monuments as artistic productions. Finally, the couple of artists Vlad&AlinaTurco question the economic value in art of a 50euros banknote intended for sale.
This exhibition thus encourages artistic ambiguity by introducing several pieces of art which highlight the notions of banality, insignificance, simplicity, extravagance, uselessness, nonsense, comedy (etc.) and is indeed interested in the public’s reaction rather than in the art works themselves. We are aiming to present an open door to a pluralist approach; none of our artists claims that their work has the same worth for others. We value and invite all types of criticism (“krino”: to sort, choose, make a choice and to make a decision) and judgments (art/non-art, work/rubbish, interesting/indifferent, poor/excellent, beautiful/ugly, good/bad, etc). Something, nothing, anything..? it is for you to judge or interpret. The aesthetic experience will be determined by your own view, with an open “pluralist” approach.
Yeon Gyu-seok
1. Yves Michaud, l’art à l’état gazeux, essai sur le triomphe de l’esthétique, Paris, Hachette Littératures, 2003, p. 11.
2. Ibid., introduction, p. 9-12.
3. Thierry de Duve, Au nom de l’art, pour une archéologie de la modernité, Paris, Les Editions de Minuit, 1989, chapter Fait n’importe quoi.
4. Yves Michaud, La crise de l’art contemporain, utopie, démocratie et comédie, Paris, presses universitaires de France, 4th edition, 2008 (1st edition : 1997, October), P.
18.
5. Nathalie Heinich, L’art contemporain exposé aux rejets, Paris, Hachette Littératures, 2009. Work published in 1st edition under the direction of Yves Michaud, edition Jacqueline
Chambon, Nîmes, 1997.
6. Yves Michaud, La crise de l’art contemporain, utopie, démocratie et comédie, p. 244.
Porte (2009) ©Courtesy de l’artiste
Répondant aux motivations de l’exposition Something, Nothing, Anything cette installation a pour intérêt d’être quasiment invisible. L’accrochage de cette pièce laisse croire à un oubli. L’apparence trompeuse de ces objets dont l’aspect et la matière ont subi des mutations a pour objectif de mettre à jour l’instabilité du sujet et de révéler la vibration engendrée par le va et viens entre les différents états qui les caractérisent.
Porte est ce qui demeure d’un tout. Initialement, Porte est ce qui reste d’une plaque de contre plaqué 150 x 300cm imprimée d’un motif bois et découpée en son centre en 19 triangles isocèles de 50cm de côté environs. L’intérieur de cette plaque de bois est aujourd’hui une œuvre nommée Protogéode. Cette découpe, par son matériau, son format et sa couleur, s’apparente dans le langage visuel courant à une porte. Adossée contre un mur, Porte, joue avec les apparences tout comme la série des Vrais Faux.
Balai (2008)
Balai et ballon d'hélium ©Courtesy Galerie JTM
« Je vois les choses en termes de connexion. Des connexions avec des univers antagonistes ou décrétés incompatibles. Mon travail n’évoque finalement qu’une méthode de vie. Les résultats directement esthétiques ne m’intéressent pas. Mais le cheminement, oui. Je pense que d’une certaine manière la beauté peut ressortir d'un mécanisme qui fonctionne parfaitement.
Je me suis récemment rendu compte que je fais cela car je suis persuadé qu’il y a une façon d’être, de vivre, de fonctionner, de réfléchir, de percevoir, qui est plus adaptée. À la cohabitation de tout le monde, à la fluidification de tout ce qui se trame. J’ai du mal à le percevoir encore de façon très claire. Ce qui m’empêche de la véhiculer par les mots, c’est justement qu’elle essaie d’échapper à la codification. Je suis sûr que dans 10 ans, 15 ans, 20 ans, il y aura un peu de ça si on veut continuer à fonctionner, à avancer. Un peu de ce que j’essaie de dire, de cette méthode. De croiser les choses, de dédramatiser. Ce que j’essaie de faire n’a rien d’intellectuel. C’est un objet, un produit qui fonctionne. » Propos recueillis par Corentin Hamel, Paris, été 2008
Very good (2010) ©Courtesy de l’artiste
Ivan Argote est un jeune artiste colombien apparu sur la scène artistique française en 2007. Depuis quelques années, il entretient une relation didactique avec l’artiste Pauline
Bastard. Par l’entremise de ce dialogue, il dévoile sa passion pour la vie quotidienne dans de grandes agglomérations. Son travail prend appui sur une observation très attentive des relations
humaines, à travers des gestes et des contacts sociaux qu’il considère comme une « matière première » pour sa création. Il utilise des dispositifs de mise en scène engendrant des situations
diverses dans des espaces publics. L’oeuvre intitulée I just want to give you money suscite une réaction immédiate de la part des usagers du métro qui sont confrontés à une situation
inattendue : au lieu de demander l’aumône, Ivan offre aux passagers une pièce de monnaie, mais personne ne s’en saisit par peur de ce qui va se produire. Quant à l’œuvre intitulée
Birthday, l’artiste demande aux passagers d’un ascenseur de lui chanter une chanson d’anniversaire. Le travail d’Ivan Argote se caractérise donc par cette ambiguïté relative de l’échange
et du jeu dans l’espace urbain, amorçant une réflexion sur les rapports humains dans la société contemporaine.
Pour l’exposition Something, Nothing, Anything, l’artiste dévoilera quelques nouvelles pièces : l'objet intitulé Very good est un ‘V’, un signe d'approbation comme
ceux que l'on marque sur les formulaires. Cet icône, issue d’un signe graphique, prend du volume et crée ainsi un rapport d’étrangeté avec l’environnement et les choses qui l'entourent. Pose-t-il
un jugement sur le monde qui le regarde ou se juge-t-il lui-même? L’autre pièce intitulée Bound to change (Voué à changer) est une vidéo dans laquelle on voit l'artiste changer
l'accrochage de quelques galeries d'art contemporain. Ces deux pièces proposent un questionnement autour de la vie des œuvres d'art à l'intérieur d'un espace d'exposition.
Encyclopedia of contemporary art in the world using www.google.com/language tools (2010), impression sur papier ©Courtesy de l’artiste
Ce livre d’artiste s’apparentant à une encyclopédie, rend compte de la représentation internationale de l’art contemporain sur internet.
Le site www.google.com/language_tools répertorie tous les domaines pour lesquels Google propose une version locale de son site (par exemple“.fr” pour la France, “.ge” pour l’Allemagne) ainsi que des versions personnalisées par langue. La possibilité de traduire des mots dans de nombreuses langues y est aussi offerte. C’est à partir de cet outil qu’a été conçu ce volume.
L’expression “contemporary art” a été traduite dans chaque langue officielle, puis écrite dans le domaine du pays lui correspondant pour y faire une recherche par image. Seules les 9 premières images fournies ont été retenues.
Cet outil a ainsi permis de faire une recherche sur 97 pays (ou domaine local) et 6 langues sans domaines affiliées. Au total, ce sont 912 images portant sur une recherche de 59.699.888 entrées qui sont reproduites dans cet ouvrage.
Archivées pays par pays, dans l’ordre proposé par Google et à la manière des planches d’illustration de l’Encyclopédie de Diderot, ces images sans légende, livrées au caractère systématique de cette organisation, ne sont plus que le reflet d’elles-mêmes. En les confrontant, l’évidence d’une occidentalisation de la conception d’ « art contemporain » se dégage. Le lecteur s’apercevra aussi de la prégnance de certaines représentations : institutions muséales dédiées à l’art contemporain et arts qualifiés de traditionnels dans les pays non occidentaux. La pauvreté du papier sur lequel ce livre est imprimé en fait un objet de consommation immédiat en rupture avec le statut intemporel et figé de l’Encyclopédie. Ainsi, le support est en relation directe avec cette profusion d’image que fournit le web, où seul un principe d’archivage permet d’y retenir des informations plus générales.
Il s’agit ici du premier volume, d’autres seront réalisés dans les années à venir et permettront ainsi d’élargir l’étude dans le temps.
Geometric Foam (2010) ©Courtesy de l’artiste ©Courtesy de l’artiste
Il s’agit d’une sculpture composée de 137 bombes de mousse polyuréthane assemblées les unes aux autres par une sangle de couleur orange. Ces objets/matériaux que sont les bombes de mousse expansive sont ici utilisés à des fins plastiques pour ce qu’ils sont - des cylindres de métal brillant nettoyés de leurs étiquettes commerciales - et non pour ce qu’ils contiennent. Bien sûr, leur contenant active leur mémoire : une mousse polyuréthane employée pour le bricolage et bien souvent dans la construction sculpturale. Par cette dialectique des questions propres à la sculpture sont mises en jeux : forme/informe, intérieur/extérieur, surface/volume… L’agglomérat de cette multitude de cylindres dessine un hexagone, une structure alvéolaire, entre nid d‘abeilles et stockage de munitions (le nom de l’objet n‘étant pas pour rien dans cette allusion).
Comme pour d’autres projets tel Yaourt Light, l’emploie d’objets à «faible valeur ajoutée» m’intéresse pour leur faible qualité plastique mais aussi -justement- par la dimension de sublimation (transformation) implicite à leur multiplication.
Fontaines, pompes à eau, déchets et eau, 2009 ©Courtesy de l’artiste
« Réalisées à partir de déchets dépourvus de valeur aux yeux de la société de consommation, ces petites sculptures se déplacent, tournent ou lancent de l’eau et viennent discrètement investir notre espace. Seuls les moteurs cachés diffusent un son mécanique et monotone qui renforce la timide présence de ces objets ordinaires, qui endossent alors un rôle aussi nouveau que surprenant. » Commentaire sur l’œuvre Fontaines écrit par Sári Stenczer à l’occasion de 54e salon de Montrouge
Le travail de Pauline Bastard a quelque chose de magique: il consiste à transformer notre environnement quotidien en art. Ses œuvres présentées depuis quelques années dans des galeries et des centres d’art témoignent d’une réflexion pertinente sur la matérialité de l’objet ; l’artiste utilise des rebuts quotidiens, des outils technologiques obsolètes, des images et des vidéos récupérés sur internet, autant de choses et de données disponibles qu'elle réorchestre dans des saynètes et des mini fictions. Elle joue sans cesse avec les codes de l'esthétique, notamment avec ses Fontaines (2008) faites de déchets à travers lesquelles elle pose la question de la beauté et de la laideur. Dans Sunset, elle interroge la frontière entre le vrai et le faux en inventant un malicieux trucage avec un sac plastique. Enfin, ses Golden trashes, déchets sur lesquels elle applique une feuille d'or, par exemple autour d'un vulgaire chewing-gum mâché, choquent la notion de valeur. Au final, on ne sait plus si ces mises en scène anoblissent les rebuts ou si inversement, elles contribuent à les ridiculiser. Les œuvres de Pauline Bastard s’affairent à démonter en douceur les échelles de valeurs implicites de l'art contemporain. Le tout avec trois bouts de ficelle, deux sacs plastiques et un papier de Kinder. Un peu « David face à Goliath » et un peu « Mac Guyver », elle élabore soigneusement des pièces qui réaniment objets et matériaux morts grâce à leur simplicité et à leur efficacité plastique.
Louvre-Original I.1/4, 2010, 20x24cm ©Courtesy de l’artiste
Le travail de Yeon Gyu-seok est une tentative artistique visant à réintroduire la notion d’authenticité dans l’art en observant le rapport qu’entretiennent tourisme et découverte culturelle. L’artiste expose des morceaux de monuments historiques en tant qu’œuvre autonome et unique. Pour l’exposition Something, Nothing, Anything, Yeon Gyu-seok présentera pour la première fois la série intitulée Louvre-Original. Cette série composée de quatre pièces a été réalisée à partir des morceaux du Musée du Louvre abandonnés pendant les travaux de rénovation du département des Arts de l’Islam en 2009. L’artiste a récupéré des fragments du bâtiment avec l’intention de les valoriser à travers sa démarche artistique.
Le Musée du Louvre, patrimoine emblématique des arts classiques, devenu aujourd’hui un espace de culte pour les touristes, est ainsi considérée comme une véritable œuvre «auratique», au sens où aurait pu l’entendre Walter Benjamin.
50euros TTC, billet de 50euro encadré, vendu à 50euros, 20x30cm ©Courtesy de l’artiste
S’intéressant au système et au code social du monde de l’art, le couple d’artistes Vlad et Alina Turco présente depuis quelques années des œuvres surprenantes remplies d’humours et d’ironies. L’enjeu principal du travail de ces artistes s’articule autour du processus de réception de l’œuvre, dans lequel le public prend une part importante, en vertu de ses réactions diverses.
L’œuvre intitulée 50euros TTC représente bien l’esprit artistique de Vlad et Alina Turco. Il s’agit en effet d’un vrai billet de 50euros destiné à la vente dans une exposition (le prix de l’œuvre est fixé à 50 euros, soit la valeur du billet). Le but de cette œuvre est de réussir à piéger le public tout en provoquant un sentiment de vide et d’insignifiance. Cette œuvre soulève finalement la question de valeur de l’objet d’art souvent surestimée dans la spéculation du marché économique.
La 3ème Porte Bleue